Włoskie kino, z bogatym dziedzictwem i niezaprzeczalnym wpływem na światową kinematografię, zawdzięcza swoje znaczenie grupie wybitnych twórców.
W tym artykule skupiam się na najbardziej znanych i cenionych włoskich reżyserach, których prace nie tylko zdefiniowały epokę w historii filmu, ale również kontynuują kształtowanie przyszłości kinematografii.
Przez pokolenia, włoscy reżyserzy nieustannie poszerzali granice kinematografii, eksperymentując z narracją, stylem i techniką. Od klasycznych dzieł Felliniego po nowoczesne interpretacje Sorrentino. Ich filmy są świadectwem nie tylko indywidualnych geniuszy, ale również wszechstronności i bogactwa włoskiego kina.
Ten artykuł jest celebracją ich twórczości i niezatartego śladu, który pozostawili w sercach kinomanów na całym świecie.
Przedstawiam twórców, którzy na stałe wpisali się w kanon światowej sztuki filmowej, a także inspirowali innych twórców.
Poznaj najważniejszych włoskich reżyserów.
Włoscy reżyserzy, którzy zmienili oblicze kina
Federico Fellini
Urodził się w 1920 roku w Rimini (Emilia-Romania), zmarł w Rzymie w 1993 r.
Fellini był jednym z najbardziej wpływowych reżyserów w historii kina. Zanim stał się cenionym reżyserem, początkowo rozwijał swoją karierę jako rysownik i scenarzysta.
Jego filmy często łączą elementy surrealizmu z głębokimi obserwacjami społecznymi, a jego unikalny styl uczynił go ikoną światowego kina. Fellini wykorzystywał film jako medium do eksplorowania marzeń, fantazji i osobistych wspomnień.
W swojej filmografii Fellini przedstawiał wyrafinowane obrazy Włoch, często ukazując kontrasty między nowoczesnością a tradycją, miastem a wsią, moralnością a dekadencją.
„La Dolce Vita”, być może jego najbardziej znany film, to krytyczne spojrzenie na rozwiązłość życia rzymskiej elity w latach 60. XX wieku. Z kolei „Osiem i pół”, często uważane za jedno z największych osiągnięć w historii kina, jest introspektywnym, surrealistycznym spojrzeniem na życie reżysera, łączącym rzeczywistość z fantazją.
Fellini był również znany ze swojej współpracy z kompozytorem Nino Rota, który skomponował muzykę do wielu jego filmów. Ich współpraca przyniosła niezapomniane ścieżki dźwiękowe, które stały się nieodłączną częścią filmowego świata Felliniego.
Fellini zdobył wiele międzynarodowych nagród, w tym cztery Oscary za najlepszy film nieanglojęzyczny. Jego wpływ na kino jest niezaprzeczalny, a jego dzieła pozostają inspiracją dla reżyserów na całym świecie.
Lista najważniejszych filmów Federico Felliniego
La Strada (1954) – film, który przyniósł Felliniemu międzynarodowe uznanie, opowiadający historię młodej kobiety sprzedanej do objazdowego cyrku.
La Dolce Vita (Słodkie życie, 1960) – jeden z najbardziej znanych filmów Felliniego, przedstawiający siedem dni i nocy w życiu rzymskiego dziennikarza.
8½ (1963) – uważany za jeden z największych osiągnięć w historii kinematografii, film opowiada o reżyserze filmowym, który zmaga się z kryzysem twórczym.
Amarcord (1973) – film autobiograficzny, który przedstawia wspomnienia Felliniego z dorastania we włoskim miasteczku w okresie faszyzmu.
Le notti di Cabiria (Noce Cabirii, 1957) – opowieść o życiu prostytutki w poszukiwaniu prawdziwej miłości.
I Vitelloni (Wałkonie, 1953) – film opisujący życie pięciu młodych mężczyzn na prowincji we Włoszech.
Giulietta degli spiriti (Giulietta i duchy, 1965) – pierwszy kolorowy film Felliniego, ukazujący wewnętrzne zmagania i fantazje dojrzałej kobiety.
Fellini Satyricon (Satyricon, 1969) – adaptacja starożytnego rzymskiego tekstu, przedstawiająca surrealistyczny obraz starożytnego Rzymu.
Roberto Rossellini
Urodził się w Rzymie w 1906 roku, zmarł w Wiecznym Mieście w 1977 roku.
Rossellini jest uznawany za jednego z ojców włoskiego neorealizmu, ruchu filmowego, który przyczynił się do zdefiniowania nowej estetyki filmowej po II wojnie światowej. Jego filmy, takie jak „ Rzym , otwarte miasto” czy „Niemiec, który chciał się wspiąć na wzgórze” („Germany Year Zero”), charakteryzują się prostotą, autentyzmem i głębokim humanizmem, ukazującym trudne realia życia w powojennej Europie.
Rossellini koncentrował się na codziennych zmaganiach zwykłych ludzi. Często wykorzystywał amatorów jako aktorów, aby osiągnąć większy realizm. Jego styl był bezpośredni i surowy, a filmowanie na ulicach miast dodawało autentyczności jego dziełom. „Rzym, otwarte miasto” (1945), kręcony tuż po wyzwoleniu Rzymu, jest uważany za kamień milowy neorealizmu i jedno z najważniejszych dzieł w historii kina.
Rossellini był również znany z osobistych i zawodowych związków ze szwedzką aktorką Ingrid Bergman. Ich współpraca zaowocowała kilkoma filmami, w tym „Stromboli” (1950) i „Europa ’51” (1952). Filmy te odznaczały się neorealistycznym podejściem, ale równocześnie wdrażały nowe elementy i eksperymenty narracyjne.
Rossellini był również aktywny w produkcji filmów telewizyjnych i dokumentalnych, często zajmując się tematyką historyczną i edukacyjną. Jego późniejsze prace, w tym serie dokumentalne takie jak „L’età di Cosimo de Medici” (1972) i „Kartezjusz” (1974), odzwierciedlały jego zainteresowanie historią i filozofią.
Jego podejście do filmowania, które łączyło społeczne zaangażowanie z artystyczną ekspresją, otworzyło drogę nowym pokoleniom filmowców i do dziś pozostaje inspiracją dla reżyserów na całym świecie.
Vittorio De Sica
Urodził w miasteczku Sora w regionie Lacjum w 1901 roku, zmarł w Paryż u w 1974 r.
Aktor i reżyser, który odegrał kluczową rolę w rozwoju neorealizmu włoskiego. Jego filmy, jak „Złodzieje rowerów” (1948) i „Umberto D.” (1952), skupiają się na trudnościach codziennego życia zwykłych ludzi, ukazując głęboką empatię wobec ich losu.
Zanim De Sica zasłynął jako reżyser, był uznany jako aktor. Jego doświadczenie aktorskie wpłynęło na styl reżyserowania, gdzie skupiał się na autentycznych emocjach i naturalnych występach aktorów. W „Złodziejach rowerów” używał niemal wyłącznie nieprofesjonalnych aktorów, nadając filmowi autentyczność.
De Sica nie unikał trudnych tematów społecznych i ekonomicznych. Jego filmy często przedstawiały zmagania osób żyjących na marginesie społeczeństwa, borykających się z biedą, bezrobociem i niesprawiedliwością. „Umberto D.” to poruszający obraz starości i samotności, opowiadający historię emerytowanego urzędnika, który próbuje przetrwać w trudnych warunkach powojennej Italii.
De Sica reżyserował również filmy w innych gatunkach, w tym komedie i dramaty. W późniejszych latach jego kariera skierowała się ku bardziej komercyjnym produkcjom. Zdobył m.in. Oscary za najlepszy film nieanglojęzyczny.
De Sica współpracował z Sophią Loren w kilku filmach, tworząc jedno z najbardziej udanych partnerstw w historii włoskiego kina. Reżyserował ją m.in. w „La ciociara” („Dwie kobiety”, 1960), gdzie Loren otrzymała Oscara, „Matrimonio all’italiana” („Małżeństwo po włosku”, 1964), nominację do Oscara, „Ieri, oggi, domani” („Wczoraj, dziś, jutro”, 1963) oraz „L’oro di Napoli” („Złoto Neapolu”, 1954). Współpraca ta była znacząca nie tylko dla ich karier, ale i dla rozwoju włoskiego kina. Loren była chwalona za swoje umiejętności aktorskie w filmach De Sica, wykazując się zarówno w dramatycznych, jak i komediowych rolach.
Luchino Visconti
Urodził się w Mediolanie w 1906, zmarł w Rzymie w 1976 r.
Pochodzący z arystokratycznego rodu Visconti, był jednocześnie reżyserem filmowym i teatralnym. Jego filmy, takie jak „Gepard” i „Śmierć w Wenecji” łączą realizm z barokową estetyką i często poruszają tematy związane z upadkiem arystokracji i społecznymi zmianami we Włoszech.
Visconti zaczynał swoją karierę w kinie jako asystent reżysera u Jeana Renoira, a w latach 40. i 50. XX wieku stał się jednym z czołowych przedstawicieli włoskiego neorealizmu. Jego wczesne filmy, jak „Ossessione” (1943) czy „La terra trema” (1948), charakteryzowały się realistycznym przedstawieniem życia biedoty i robotników, a także eksperymentami z formą i narracją.
W późniejszych latach Visconti zwrócił się ku bardziej epickim, wizualnie bogatym produkcjom, w których często odzwierciedlał swoje arystokratyczne pochodzenie. „Gepard” (1963), jeden z jego najbardziej znanych filmów, opowiada historię księcia Sycylii w obliczu jednoczenia Włoch i zmian społecznych w XIX wieku. Film ten jest znany ze swojej wspaniałej scenografii, kostiumów i skomplikowanej struktury narracyjnej.
„Śmierć w Wenecji” (1971), oparta na noweli Thomasa Manna, to kolejny przykład wizualnie oszałamiającego filmu Viscontiego, który bada tematy estetyki, obsesji i upadku. Jego zdolność do łączenia piękna wizualnego z głębią tematyczną czyniła go jednym z najbardziej rozpoznawalnych reżyserów swoich czasów.
Visconti był również znanym reżyserem teatralnym i operowym, co miało duży wpływ na jego styl filmowy, zwłaszcza jeśli chodzi o inscenizację i wykorzystanie muzyki. Jego filmy często odznaczały się bogactwem detali i skomplikowanymi postaciami.
Dzieła Viscontiego nadal mają wpływ na twórców filmowych i są cenione za ich wizualną i emocjonalną głębię. Jego unikalne połączenie realizmu z barokową estetyką stanowiło ważny wkład w rozwój kinematografii włoskiej i światowej.
Pier Paolo Pasolini
Urodził się w Bolonii w 1922 roku, zmarł w Rzymie w 1975 r.
Pasolini był kontrowersyjnym reżyserem, poetą i intelektualistą, znany z surowego i często prowokacyjnego podejścia do filmu. Jego prace często komentują polityczne i społeczne problemy we Włoszech. Twórca takich filmów jak „Ewangelia według św. Mateusza” czy „Salo, czyli 120 dni Sodomy”, Pasolini wyróżniał się odważnym podejściem do tematów tabu i głęboką analizą kondycji ludzkiej.
Pasolini zaczynał jako poeta i pisarz, a jego twórczość literacka często przekraczała granice konwencjonalnej moralności. Jego pierwszym filmem było „Accattone” (1961), który odzwierciedlał surową rzeczywistość życia na marginesie społecznym. Pasolini często wykorzystywał amatorskich aktorów i realistyczne lokalizacje, aby nadać swoim filmom autentyczności.
„Ewangelia według św. Mateusza” (1964) jest uważana za jedno z jego największych dzieł. Film ten przedstawia życie Jezusa w sposób odmienny od tradycyjnych hollywoodzkich produkcji o tej tematyce, koncentrując się na aspektach społecznych i politycznych jego nauczania.
Jego ostatni film, „Salo, czyli 120 dni Sodomy” (1975), jest uznawany za jeden z najbardziej kontrowersyjnych filmów w historii kina. Opierając się na dziele markiza de Sade, Pasolini stworzył film pełen brutalności i drastycznych scen, który jest interpretowany jako metafora faszyzmu i dekadencji społecznej.
Pasolini był również aktywnym komentatorem społecznym i krytykiem kultury. Jego eseje i artykuły często poruszały problemy związane z konsumpcjonizmem, utratą kultury ludowej i alienacją w nowoczesnym świecie.
Tragiczna śmierć Pasoliniego w 1975 roku, kiedy został brutalnie zamordowany, dodatkowo otoczyła jego postać aurą tajemniczości. Okoliczności jego śmierci do dziś budzą liczne spekulacje i teorie spiskowe, a jego życie i twórczość nadal są przedmiotem zainteresowania badaczy i miłośników kina.
Michelangelo Antonioni
Urodził się w 1912 roku w Ferrarze w regionie 
Emilia-Romania, zmarł w Rzymie w 2007 roku.
Antonioni jest uważany za jednego z czołowych reżyserów modernistycznych. Jego filmy, takie jak „Przygoda” czy „Zawodowiec”, są znane z głębokich refleksji nad ludzką kondycją, alienacją i trudnościami komunikacji w nowoczesnym świecie. Zdobywca Złotej Palmy za film „Blow-Up” w 1967 roku, Antonioni słynie z innowacyjnego podejścia do narracji filmowej i wizualnej.
Jego kariera zyskała na znaczeniu w latach 60., kiedy to seria filmów, w tym „Noc” (1961), „Zaćmienie” (1962) oraz „Czerwony Pustynia” (1964), zrewolucjonizowała język filmowy. Te dzieła charakteryzują się minimalistycznym stylem, długimi ujęciami i wyjątkową dbałością o kompozycję kadru.
Antonioni często poruszał tematy izolacji, obcości i niemożności komunikacji między ludźmi w zmieniającym się świecie.
Jego znakomity film „Blow-Up”, zainspirowany powieścią Julio Cortázara, badał tematy percepcji i rzeczywistości poprzez pryzmat fotografa mody, który przypadkiem staje się świadkiem zbrodni. Film ten, z jego nietypową strukturą narracyjną i otwartym zakończeniem, stał się kultowym przykładem modernistycznego kina.
„Czerwona Pustynia”, pierwszy kolorowy film Antonioniego, wyróżnia się szczególnie dzięki swojej wizualnej estetyce. Używa koloru w celu podkreślenia emocjonalnego stanu bohaterki i jej obcości w industrialnym krajobrazie.
Oprócz filmów Antonioni tworzył również dokumenty, w tym „Chung Kuo, Cina” (1972), który przedstawia życie w Chinach w czasach Mao Zedonga. Jego prace, chociaż często spotykały się z mieszanymi reakcjami krytyków, miały znaczący wpływ na rozwój kina artystycznego i są uważane za kluczowe w historii kinematografii.
Jego ostatnim filmem był „Po tamtej stronie chmur” (1995), który współreżyserował z Wimem Wendersem. Nawet w późniejszych latach życia, Antonioni kontynuował eksplorowanie swoich charakterystycznych tematów izolacji i braku komunikacji.
_____
Współcześni reżyserzy włoskiego kina, których filmy warto znać
Nanni Moretti
Urodzony w 1953 roku w Brunico, w regionie Trydent-Górna Adyga.
Nanni Moretti jest wszechstronnym artystą filmowym: reżyserem, aktorem, producentem i scenarzystą, który zyskał uznanie za swoje półautobiograficzne podejście do filmowania.
Moretti jest jedną z najbardziej wyrazistych postaci we współczesnym kinie włoskim. Jego filmy, takie jak „Moi rodzice” czy „Zabójca z księżycem”, charakteryzują się połączeniem humoru z głębokimi spostrzeżeniami na temat życia i społeczeństwa włoskiego.
Moretti często występuje w swoich filmach, co dodaje im osobistego charakteru. Jego styl jest unikalny, łącząc elementy komedii, dramatu i komentarza społecznego. Jednym z najbardziej znanych dzieł Morettiego jest film „Pokój syna” (2001), który zdobył Złotą Palmę na Festiwalu Filmowym w Cannes. Film ten opowiada o bólu rodziny po stracie syna, ukazując złożoność ludzkich emocji i proces żałoby.
„Dziennik intymny” (1993), to mieszanka dokumentu i fikcji, w którym reżyser podróżuje po Włoszech, dzieląc się swoimi osobistymi refleksjami. „Habemus Papam” (2011) to z kolei komediodramat o kryzysie wiary nowo wybranego papieża.
Twórczość Morettiego odznacza się śmiałym podejściem do tematów społecznych i politycznych. Jego filmy nie boją się stawiać pytań o tożsamość, władzę, religię czy rodzinę.
Giuseppe Tornatore
Urodzony w 1956 roku w Bagherìa na Sycylii.
Tornatore jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych włoskich reżyserów na świecie. Zdobył międzynarodowe uznanie dzięki serdecznemu i nostalgicznie nastawionemu filmowi „Cinema Paradiso” (1988), który otrzymał Oscara dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego. Film opowiada historię młodego chłopca i jego przyjaźni z operatorem projekcyjnym w małym włoskim miasteczku, stanowiąc hołd dla kina i magii filmu.
„Malèna” (2000) to film przedstawiający historię nastoletniego chłopca, który zakochuje się w pięknej wdowie. Z jej oszałamiającym urokiem nie potrafi sobie poradzić małe włoskie miasteczko podczas II wojny światowej. Film ten również zdobył uznanie na całym świecie, pokazując Tornatore jako mistrza w budowaniu emocjonalnych narracji.
„Za horyzontem” (1995), to kolejny znany film reżysera, w którym opowiada historię młodego geniusza matematycznego. Jego zdolności są zarówno błogosławieństwem, jak i przekleństwem. Film ten łączy głębokie emocje z fascynującą fabułą, ukazując zarówno siłę ludzkiego ducha, jak i ograniczenia narzucone przez społeczeństwo.
Twórczość Tornatore jest często porównywana do opowieści magicznego realizmu, gdzie rzeczywistość miesza się z fantazją, tworząc niezapomniane i pełne uczuć historie. Jego filmy są pełne nostalgii, miłości do kina i głębokiego zrozumienia ludzkich emocji, co czyni je uniwersalnymi i ponadczasowymi.
Valeria Golino
Urodzona w 1965 roku w Neapolu.
Golino, choć jest najbardziej znana jako aktorka, zdobyła uznanie jako reżyserka za swoje poruszające i pełne empatii filmy. Międzynarodową sławę jako aktorka zdobyła w filmach takich jak „Rain Man” i „Gorączka”.
Jej reżyserski debiut, „Miele” (2013), został doceniony przez krytyków i publiczność. Film ten, opowiadający o młodej kobiecie, która pomaga ludziom w popełnieniu eutanazji, jest głęboko poruszający i skłania do refleksji. Golino przedstawia trudne tematy z dużą delikatnością, nie unikając jednak ich moralnej złożoności. Dzięki swojemu podejściu do opowiadania historii zwraca uwagę na subtelności ludzkiego doświadczenia.
Inne jej filmy również koncentrują się na emocjonalnych i często kontrowersyjnych tematach.
W „Euforii” (2018) opowiada o dwóch braciach o bardzo różnych charakterach, którzy muszą nauczyć się żyć razem, gdy jeden z nich dowiaduje się, że jest śmiertelnie chory. „Il Colibrì” (2022) jest adaptacją bestsellerowej powieści Sandro Veronesiego i opowiada historię życia Marco Carrerę, mężczyzny, który przeżywa liczne trudności.
Golino, mimo że nie ma długiej listy filmów w swojej reżyserskiej filmografii, wykazała się wyjątkową wrażliwością i umiejętnością opowiadania historii z głębią emocjonalną. Jej filmy często poruszają ważne tematy społeczne i osobiste, wzbudzając zainteresowanie i uznanie zarówno krytyków, jak i publiczności.
Matteo Garrone
Urodzony w Rzymie w 1968 roku.
Garrone, urodzony w Rzymie, zdobył międzynarodowe uznanie dzięki swojemu surowemu i realistycznemu portretowi mafii w filmie „Gomorra” (2008). Film ten, oparty na książce Roberto Saviano, zapewnił mu Grand Prix na Festiwalu Filmowym w Cannes i zwrócił na niego uwagę międzynarodowej krytyki.
Garrone jest reżyserem, którego filmy często skupiają się na ciemnych stronach włoskiego społeczeństwa, ale zawsze z głębokim zrozumieniem ludzkiej natury.
Inne jego znane filmy to „Pentameron” (wł. „Il racconto dei racconti”, 2015). To ekranizacja baśni Giambattisty Basile, gdzie Garrone umiejętnie łączy realistyczne portretowanie społeczeństwa z elementami fantastyki.
W 2018 roku zrealizował film „Dogman”, który zdobył uznanie na międzynarodowych festiwalach filmowych, w tym nagrodę dla najlepszego aktora w Cannes dla Marcello Fonte. „Dogman” ukazuje historię psiego fryzjera, który wchodzi w konflikt z miejscowym przestępcą. Obraz ten prezentuje zarówno brutalność, jak i delikatność ludzkiego życia.
Garrone w swoich pracach często eksploruje złożoność włoskiej tożsamości, oscylując między realizmem a surrealizmem. Jego filmy, choć mogą być trudne i mroczne, są równocześnie pełne empatii i głębokiego zrozumienia. W ten sposób Garrone kontynuuje bogatą tradycję włoskiego kina, prezentując swoje unikalne spojrzenie na współczesny świat.
Paolo Sorrentino
Urodzony w Neapolu w 1970 roku.
Sorrentino, uznany za jednego z najbardziej rozpoznawalnych współczesnych reżyserów włoskich, zyskał sławę dzięki swoim wizualnie oszałamiającym i głęboko refleksyjnym filmom.
Otrzymał Oscara za najlepszy film nieanglojęzyczny „Wielkie piękno” (2014), hołd dla Rzymu i twórczości Federico Felliniego. W filmie tym Sorrentino odkrywa piękno i melancholię życia przez pryzmat starzejącego się pisarza.
Jego wczesne dzieła, takie jak „Konsekwencje miłości” (2004) i „Rodzina jako przekleństwo” (2008), zdobyły uznanie krytyków i publiczności. „Il Divo” (2008) to biograficzna opowieść o Giulio Andreottim, a „To wszystko nic” (2013) jest historią byłego senatora po wyjściu z więzienia.
W „Młodości” (2015) przedstawia historię dwóch starzejących się przyjaciół, którzy konfrontują się ze swoją przeszłością i nieuchronnością upływu czasu.
Jego serial „Młody papież” (2016) i jego kontynuacja „Nowy papież” (2019) zaskoczyły widzów niekonwencjonalnym podejściem do tematu religii i władzy.
I wreszcie „To była ręka Boga” (2021) to bardzo osobiste dzieło, w którym Sorrentino opowiada o swoim dorastaniu w Neapolu w latach 80.
Susanna Nicchiarelli
Urodziła się w 1975 roku w Rzymie.
Nicchiarelli jest włoską reżyserką i scenarzystką znaną z podejmowania ryzykownych tematów i skomplikowanych postaci.
Jeden z jej najbardziej znanych filmów, „Nico, 1988”, skupia się na ostatnich latach życia słynnej piosenkarki i muzy, Nico. Film otrzymał pochlebne recenzje za autentyczne przedstawienie życia artystki. Nico zmagała się z demonami przeszłości i poszukiwała własnej artystycznej tożsamości. Nicchiarelli przedstawiła w nim nie tylko świat muzyki, ale również wnikliwy portret kobiety w świecie zdominowanym przez mężczyzn.
Inne znaczące dzieło Nicchiarelli to „Miss Marx” (2020), film biograficzny opowiadający o życiu i pracy Eleanor Marx, córki Karola Marksa. Film ten również został dobrze przyjęty. Doceniono sposób, w jaki reżyserka połączyła historyczne fakty z nowoczesnym spojrzeniem na tematy takie jak równouprawnienie kobiet i walka klas.
Styl Nicchiarelli charakteryzuje się głębokim humanizmem i uwagą na szczegóły. Susanna jest jedną z najbardziej interesujących postaci we współczesnym kinie włoskim.
Laura Bispuri
Urodziła się w Rzymie w 1977 roku.
Włoska reżyserka i scenarzystka, która zyskała międzynarodowe uznanie dzięki swojemu wyjątkowemu podejściu do kwestii kobiecości i tożsamości. Laura Bispuri jest ceniona za subtelne, ale głębokie przedstawienie złożonych kobiecych postaci i ich wewnętrznych konfliktów.
W swoim debiutanckim pełnometrażowym filmie „Sworn Virgin” (2015), Bispuri bada albańską tradycję „burnesha”. Wg tej tradycji, kobiety przejmują role i przywileje mężczyzn, ale w zamian za to muszą przysiąc wieczne dziewictwo. Film zdobył uznanie za sposób, w jaki reżyserka ukazała wewnętrzne zmagania głównej bohaterki z własną tożsamością płciową i społecznymi oczekiwaniami.
Kolejny film Bispuri, „Daughter of Mine” (2018), to poruszający opis macierzyństwa i skomplikowanych więzi rodzinnych. Opowiada historię młodej dziewczyny rozdartej między biologiczną matką a kobietą, która ją wychowała. Film ten został doceniony za delikatne i emocjonalne przedstawienie trudnych wyborów i więzi międzyludzkich.
Laura Bispuri kontynuuje swoją karierę jako jedna z najbardziej obiecujących reżyserek swojego pokolenia.
Alice Rohrwacher
Urodziła się w 1981 roku w Fiesole, w Toskanii.
Rohrwacher to reżyserka i scenarzystka. Jej unikalne podejście do filmowania zdobyło serca zarówno krytyków, jak i widzów na całym świecie. W swoich filmach często łączy realizm z elementami magii.
Jej film „Czarodziejskie ziele” z 2014 roku, opowiada o młodej dziewczynie odkrywającej tajemnice rodziny i ich ukryte tradycje. Z kolei „Lazzaro szczęśliwy” z 2018 roku to ponadczasowa opowieść o niewinności i dobroci w świecie pełnym egoizmu i wyzysku. Film ten zdobył uznanie na Festiwalu Filmowym w Cannes, gdzie został uhonorowany nagrodą za najlepszy scenariusz.
Jej filmy często ukazują życie włoskiego społeczeństwa na prowincji, pokazując zarówno jego piękno, jak i trudności. Poprzez swój humanistyczny styl reżyserii, Alice skupia się na ludzkich relacjach, starając się ukazać autentyczność i prawdziwość emocji.
Planując swoją podróż
Znajdź najlepszy hotel lub apartament na swoje włoskie wakacje dzięki booking.com.
Pamiętaj, aby zawsze mieć wykupione ubezpieczenie turystyczne. Ja korzystam z najlepszej na rynku porównywarki rankomat.pl.
Jeśli potrzebujesz samochodu we Włoszech, skorzystaj z oferty rentalcars.com, aby porównać oferty i zarezerwować najwygodniejszy samochód dla siebie.
Potrzebujesz biletów na prom we Włoszech? Znajdziesz je na Direct Ferries.
Gdy kupujesz coś za pośrednictwem moich linków, zarabiam niewielką kwotę. Ty nadal płacisz tyle samo, ze mną dzieli się sprzedawca. Dziękuję za twoje znaczące wsparcie.
Nie masz teraz czasu na czytanie? Nie ma sprawy! Zapisz sobie poniższe zdjęcia na Pinterest, aby przeczytać później.
Włoska poczta
Dzielę się z Tobą moimi włoskimi podróżami, mając nadzieję, że cię zainspirują do samodzielnego poznawania jednego z najpiękniejszych krajów na świecie.
Dołącz do czytelników mojego newslettera, poste italiane. Dzięki temu nie przeoczysz niczego, co się pojawiło na blogu, a także otrzymasz mnóstwo dodatkowych informacji.
Jeśli potrzebujesz pomocy w znalezieniu praktycznych informacji o Italii, zapraszam Cię do mojej grupy na FB: Moje wielkie włoskie podróże, którą wyróżnił Magazyn Glamour, jako jedna z najciekawszych grup na FB.
Zapraszam cię także na mojego Instagrama, na którym znajdziesz całą masę włoskich inspiracji!
La vita è bella! Życie jest piękne!
